El Blues: La música del diablo

El Blues: La música del diablo


♫ Periodista Freelance en Guia Online Music | Ana Pazos • 15-05-2020
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El Blues: La música del diablo

El blues nace de la esclavitud, de la cultura africana que vivía bajo el látigo blanco, pero también hubo otras influencias. En Norteamérica, la conservación del tono, del timbre, etc. africano y la actuación de unas personas que no eran músicos profesionales chocó con los cantes religiosos, las marchas militares y los himnos escoceses e irlandeses de la tradición europea. Emanó para ser una voz acusadora de la discriminación racial. Luchó contra las leyes de Jim Crow que propugnaban la segregación racial en todas las instalaciones públicas bajo el lema: "Separados pero iguales". Las canciones eran de amor perdido o desengaño que ocultaban un trasfondo político: la necesidad de derechos, protestas, críticas al orden social establecido. Debido a su doble sentido, el blues fue tachado de vulgar y callejero siendo denominado "la música del diablo".

En 1912, el blues dio un salto adelante cuando Baby Seals, Hart Wand y W.C. Handy fueron los primeros compositores que publicaron partituras de blues. Pero hay que tener en cuenta que no todo lo que se llamaba "blues" lo era: la mayoría eran vodevil, rags... Hasta que no llegó el "St. Louis Blues" de Handy, que combinó el folk tradicional y elementos del blues con toques habaneros, no hubo una verdadera penetración del blues en la música.

Antes de conocer el éxito del blues y el jazz, las empresas discográficas grababan música para la población blanca. Los que editaron el blues de Handy fueron blancos como lo fueron los cantantes de vodevil que incorporaron el blues a su repertorio. En Nueva York, Bert Williams fue el primer músico negro de variedades más famoso gracias a su "I'm Sorry I A'int Got It, You Could Have Had It If I Had It Blues", lanzado en 1919.

El blues sin embargo todavía era un fenómeno de múltiples facetas que representaba un medio de entretenimiento orientado a ser comercializado. Estuvo rodeado de muchas influencias como el góspel, el viejo country, el jazz o la música popular pero las primeras estrellas en lo más alto del escalafón musical del blues fueron las divas: Ma Rainey, Sara Martin e Ida Cox entre otras que ya gozaban de una extensa experiencia en ferias y revistas. Desgraciadamente las presentaban como "comediennes" y no como cantantes, rebajando su arte. Pero, las discografías abrieron sus puertas, ellas ya volaban sobre el escenario.

Destacan Charley Patton, que viraba entre canciones negras de folk, clásicos de blancos, canciones religiosas, piezas de baile... siendo "Pony Blues" y "Banty Rooster Blues" su primer doble éxito, y Gertrude 'Ma' Rainey, la madre del blues, de estruendosa voz acompañada de músicos del jazz y del blues, cuyos clásicos aún perviven en versión original: "See See Rider" o "Ma Rainey's Black Bottom".

Los años veinte fueron locura y riqueza. Fue la época del Renacimiento de Harlem, de los héroes deportivos negros, de las revistas de Broadway y de la exótica "jungle music" en Nueva York. Aunque se produjo la Gran Migración donde muchos campesinos sureños se trasladaron a las ciudades del norte por trabajo y un mejor trato, y siendo las condiciones de trabajo mejores que en su tierra, la discriminación no cesó: por un lado, los gobiernos y terratenientes explotaban a los inmigrantes y por otro los propietarios y sindicatos se cuidaban de que los negros trabajasen más que los blancos por menos dinero. A ello se le añade el surgimiento del Ku Klux Klan lo que daba a pensar que la esclavitud continuaba con otros métodos que, aunque ilegales, nadie les daba importancia.

El blues creció como un niño entre blancos, afroamericanos y extranjeros en un ambiente de abundancia, pobreza y explotación. El mayor acontecimiento con la edición del blues fue en un contexto urbano. Una artista de una sala de Harlem, Mamie Smith, perteneciente a una banda de blues clásico grabó el tema "Crazy Blues" en Nueva York. Vendió más de un millón de copias en los primeros seis meses lo que dio nacimiento a un nuevo género: el blues clásico que combinaba la improvisación del jazz de los años veinte con las declinaciones vocales de los cantantes cuyos talantes invocaban las tradiciones folclóricas o el día a día de los afroamericanos. La mayoría de estos cantantes actuaron bajo el brazo de la Theater Owner's Booking Association.

Sin embargo, la crisis de 1929 cortó de raíz la época gloriosa. La recesión fue económica, pero llegó a impregnar las ilusiones sociales de la época afectando a todos los ámbitos. Los ricos de los veinte pasaron a ser los nuevos pobres de los treinta. La comunidad afroamericana volvió a rozar la esclavitud por milímetros y en las ciudades los inmigrantes luchaban para adaptarse. La pobreza fue tan brutal que acabó siendo retratada en el cine y en las canciones, pero la cultura popular encontró una vía de escape.

Si bien la industria discográfica casi desapareció, la música en vivo resistió. En apenas diez años, las películas y las compañías itinerantes dieron sombra al teatro y a las revistas de variedades porque podían llegar a un público más amplio a la vez. Hay que destacar que durante La Gran Depresión no se grabó ni una sola sesión. El vacío fue tapado por el nuevo sello Bluebird, la renacida American Record Corporation y la recién creada Decca Records que editarían la mayoría de los discos. En esta época surgieron nuevos estilos como el boogie-woogie que arrasó desmesuradamente. Sus grandes exponentes como Albert Ammons o Pete Johnson se convertirían en estrellas de la radio y el cine. Antes los intérpretes de blues apenas iban acompañados en las sesiones, pero con la llegada a Chicago de inmigrantes las cosas cambiaron: cuando artistas como Minnie empezaron a usar tambores en discos el panorama se abrió.

En 1938, el productor discográfico John Hammond organizó un concierto en la sala Carnegie Hall de Nueva York dedicado a Bessie Smith, fue un éxito. La prensa lo difundió masivamente dejando secuelas como la apertura de un nuevo local, el Café Society, donde confluían actuaciones de jazz, góspel y blues.

Hubo símbolos en esta época del blues clásico como Leroy Carr con "How Long, How Long Blues" donde mezcla la pérdida y la resignación con una letra rural; Lonnie Johnson que cantaba con una voz fina que suavizaba sus letras violentas y misóginas como "Cat You Been Messin' Around" o Bessie Smith quien creó "Ain't Nobody's Business if I do" de estilo callejero que le dio el éxito para ser una artista nacional y llevar sus giras a los inmigrantes afroamericanos.

Pero fue durante los años cuarenta cuando EE.UU. sufrió violentas transformaciones. James Petrillo, director de la Federación Americana de Músicos, convocó una huelga contra las discografías que duró hasta 1943 que fue cuando la Decca Records aceptó negociar lo que significó que otras compañías podrían trabajar bajo las mismas condiciones. De pronto, empezaron a surgir sellos en Nueva York, Chicago y Los ángeles. Ello abrió las puertas a las jump bands y a los cantantes de blues.

Mientras el country blues seguía editándose, había más músicos que apostaban por el sonido urbano. Formaron parte del R&B los Ravens, los Orioles y las grandes bandas de Lionel Hampton, Buddy Johnson... que se adaptaron a las nuevas tendencias. Sin embargo, el R&B obtuvo más presencia cuando en 1949 la emisora de radio WDIA de Memphis instauró una nueva política de música negra que tuvo un éxito rotundo, siendo copiado por otras emisoras y favoreciendo la aparición del R&B en muchos programas.

El boogie-woogie quedó en desuso. Fue la edad de oro del saxofón: aunque no era desconocido para las grandes bandas de jazz, fue las jump bands quienes lo integraron rápidamente. Músicos como Hal Singer utilizaron el saxofón como una nueva forma de llegar al público poniéndolo como instrumento dominador en la industria instrumental de R&B. En 1948, el saxofonista Paul Williams grabó "The Huckle-Buck". Era un tema instrumental incluido en un disco que sería una sensación: derivó en un baile febril que, por primera vez, traspasaría el círculo de la comunidad afroamericana. Iba a comenzar una nueva era de nuevos estilos de baile, de más R&B y el inminente salto del rock'n'roll al público.

Fueron artistas como John Lee Hooker (iniciaría una amistad con la estrella del rock Carlos Santana, de la que nacería "The Healer"), Big Joe Turner (no había micrófonos así que se expandió la leyenda de que su voz se podía oír a casi diez manzanas lo que dio lugar a un nuevo tipo de cantante, el blues shouter, y creó éxitos como "Chains of Love") o T-Bone Walker (debutó gracias a "Wichita Falls Blues" y destacó por sus excentricidades en el escenario como tocar la guitarra por detrás de la cabeza) los que dieron un giro a la década de los cuarenta con sus ritmos y voces.

Sin embargo, en 1950, EE.UU. estaba en guerra con Corea. En 1952, salió elegido presidente D. Eisenhower quien llevó a cabo una tregua de paz con Corea. Eisenhower apoyó el desarrollo de un sistema de autovías lo que hizo al país más accesible y permitió que los músicos pudieran movilizarse rápidamente. También intentó abolir la segregación en la capital, Washington, D.C. pero el país estaba arraigado en el pasado. Sin embargo, se vetó la ley de "Separados pero iguales" y "La segregación está en el orden natural de las cosas" anulando así la base legal de la segregación.

Esta decisión fue significativa para el blues: el modernizado blues de Chicago crecía entre artistas como Howlin' Wolf, Jimmy Red o Little Walter quienes empezaron a ganar audiencia; el lenguaje sencillo del R&B alcanzaba su punto más álgido con sus shouters, saxo-cornetas y grupos de crooners; Muddy Waters tocaba por primera vez con su grupo al completo. Su éxito fue seguido en la radio porque ya por cada ciudad había una emisora que reproducía música negra como la WLAC de Nashville de señal incolora que llegaba a casi 38 estados.

En la radio, la celebridad de los pinchadiscos aumentó. Uno de los más famosos fue Alan Freed quien pinchaba solo versiones originales además de que fue el creador del término "rock'n'roll" para referirse a esa música que sonaba que era tanto para negros como para blancos. Con el rock'n'roll ardiendo en los escenarios, los músicos blancos – entre ellos, al conocido Elvis Presley – pudieron entrar en un mundo únicamente para negros. Pero a las clases dominantes les desagradó esa idea de mezclas y con la ayuda de la prensa, criticó el rock'n'roll hasta el punto de que las discografías perdieron importancia en el mercado. Bastó unos años para que la sociedad lo aceptará tras dejar de ser tan radical y que ya no impresionaba tanto como antes por lo que se comercializó. El componente blues, que dio a luz a este estilo, desapareció y el R&B murió.

La popularidad de B.B. King iba incrementando a mediados de los cincuenta a pesar de ser desconocido para el mundo blanco. Fue ídolo del público negro por sus más de 300 pistas, una larga estela de sencillos y de LP's a buen precio. Le siguieron estrellas como Bobby Bland, Amos Milburn, Charles Brown o King Curtis. El blues, antes restringido a un continente, en esta época se expandió como nunca por todo el mundo y ganó miles de adeptos. Mientras, Ray Charles escondía un as bajo la manga: iba a secularizar la música del evangelio (góspel). Quienes habían sido abucheados por grabar "la música del diablo", se lanzaban ahora con el blues y con los estilos populares. Sam Cooke fue uno de los primeros en cruzar la línea, siguiéndole artistas como Aretha Franklin, Lou Rawls o Johnny Taylor. El soul, la música del alma, maduraría en la década siguiente y asentaría sus bases con fuerza.

Los artistas que revolucionaron los cincuenta fueron Ray Charles que salió a la luz cuando produjo el tema "I Got A Woman", basado en una canción de góspel; Fats Domino quien grabó "The Fat Man", versión del "Junker's Blues" de Jack Dupree, siendo un éxito gracias a su estilo basado en la voz, el piano y los solos de saxo tenor, y Muddy Waters que hizo temas como "I Can't Be Satisfied" que le suavizaron la senda hacia el estrellato.

El blues renació en los sesenta gracias a la fusión del blues afroamericano con el folk y la música country blanca. Además, el rock'n'roll se aprovechó de la tecnología y prosperidad de esta época para desarrollarse aún más. El blues volvió a nacer porque la población seguía anclada al folk, aunque el rock'n'roll se hubiera infiltrado en la línea musical, y, sobre todo, porque los jóvenes se interesaron por la historia musical del blues. Por ejemplo, Gayle Dean Wardlow, coleccionista de discos, viajó por el sur para revivir a viejas glorias de los veinte y treinta e incluso dio a conocer material inédito de los propios autores.

El Newport Folk Festival de 1959 reunió a viejos artistas que se reencontraron con el público y con músicos contemporáneos como John Lee Hooker o Muddy Waters. Ahora bien, el boom en Newport llegó cuando Lomax invitó a Howlin' Wolf, Son House, Skip James y Bukka White. Si bien Waters y Wolf tocaron con amplificadores, los organizadores más clásicos contrataron solo intérpretes acústicos. Fue de 1962 hacia adelante que una marea de seguidores evolucionaría al blues para siempre.

Alexis Korner fue el primer británico en tocar una guitarra eléctrica con propio estilo. Como le era complicado encontrar un local en Londres donde aceptasen a su grupo, decidió crear uno que con el tiempo sería un imán para los nuevos intérpretes ingleses como Eric Clapton, Mick Jagger o John Mayall. El álbum de John Mayall, "Blues Breakers", fue un éxito gracias a la magia de Eric Clapton quién mezcló la técnica de Buddy Guy, B.B. King o Albert King. Luego formó un grupo, Cream, que hacía de la improvisación su máximo exponente de su rock blues. Tras Clapton, el blues se asoció al sonido de la guitarra eléctrica y aparecieron guitarristas asombrosos como Jimi Hendrix: un joven negro que llegó al estrellato a base de exprimir los límites de la libertad musical. A partir de ahí, B.B. King o Albert King se encontraron actuando en escenarios para todo tipo de públicos en grandes festivales junto a estrellas del rock.

EE.UU. disfrutó durante esta época sin embargo no pudo deshacer la brecha cultural que le sobrevino. La Guerra de Vietnam dividió a la generación y la única forma para los jóvenes de luchar por sus derechos era adherirse a una tendencia musical o cultural. Con ello, el blues fue un puente que unió razas al dirigir a la juventud a un objetivo común desde una misma conexión musical. Los sesenta fue la mejor época del blues obteniendo las más altas cotas de popularidad y éxito desde los veinte y treinta.

Fueron, entre otros, estos artistas quienes dejaron las huellas para convertirse en mitos del rock y del blues: B.B. King, de nombre artístico "Blues Boy", cuyo primer éxito fue "Three O'Clock Blues", una pizca de los 200 conciertos que llegaría a dar cada año y en uno de las cuales casi fallece por salvar a su guitarra de un local en llamas bautizando así a todas sus guitarras Lucille, nombre de la mujer por la que dos hombres se estaban peleando y cuya pelea provocó el incendio; Albert King con la Gibson Flying V como su insignia. Este artista duerme en el cementerio de Edmondson, Arkansas, con un epitafio que reza: "Tocaré blues para ti", y Janis Joplin quien lanzó "I got Dem Ol'Kozmic Blues Again Mama" que le procuró un gran éxito por su voz desgarrada y su energía desbordante, además fue un apóstol del movimiento hippie aunque los excesos de droga y su prematuro fallecimiento fueron los que contribuyeron a forjar su leyenda.

En los setenta, el flujo de intercambios entre el blues y el rock se mantuvo por el cruce del material británico a América. Grupos como los Rolling Stones o Cream motivarían a músicos a desarrollar sus propios estilos. A pesar de este despunte del blues, la mayoría de los músicos no accedieron al mercado discográfico y aquellos inspirados por los británicos no pudieron ni ganarse la vida. Muchos acabaron refugiándose en el alcohol y las drogas. Algunos supervivientes como B.B. King no solo mantuvieron su carrera, sino que aumentó su fama, rompiendo las listas con "The Thrill Is Gone".

A mediados de los setenta, algunos músicos británicos dejaron el blues escogiendo el rock como nuevo estilo. Por ejemplo, Jimmy Page dio de alta en el registro a un grupo fantasma para respetar los contratos de los Yardbirds. El nombre que dio fue Led Zeppelin. El público se enamoraría de la versatilidad de la guitarra de Jimmy Page, de la voz suave y rockera de Robert Plant, de la temible batería de John Bonham y de la fuerza del bajo de John Paul Jones.

Numerosas estrategias surgieron para mantener la llama del blues como la aparición del primer número de Living Blues, la revista más fiel al blues y portavoz de los músicos del momento. Una de las bendiciones más grandes que recibió el blues fue en 1977 cuando los cómicos Dan Aykroyd y John Belushi aparecieron en el programa de televisión Saturday Night Live caracterizados como los Blues Brothers. En su primera película, The Blues Brothers (1980), los músicos que los acompañaban eran grandes del blues y R&B como Ray Charles, Aretha Franklin, James Brown o Cab Calloway lo que consiguió que resurgiera el interés por el género.

Destacaron The Allman Brothers Band, que, aunque se disolvieron a finales de los setenta, volvieron a tocar juntos en los noventa creando el álbum "Seven Turns" demostrando que la fusión de rock, blues y country era todavía viable treinta años después, y Dr. John quien creó la fórmula "voodoo music" al fusionar blues, jazz, R&B y rock con un estilo exótico, psicodélico y ritual. Prueba de ello fue su "Walk On Gilded Splinters".

Tras la subida al poder en 1980, Reagan (exactor de cine y exgobernador de California) introdujo un giro neoconservador que volvía la vista atrás, a una edad de oro mitificada. él, y su nuevo amanecer americano, hablaban de nuevos estilos de vida diferentes a los del blues, el jazz o el rock. Así que el blues reaccionó: volvió a sus orígenes y se apoyó en un nuevo formato que sería universal, el CD.

Texas fue un hervidero de rock blues con grupos como los Cobras, con el magistral Stevie Ray Vaughan, o los Fabulous Thunderbirds que adquirieron un éxito regional impresionante y se mantuvieron activos a nivel nacional gracias en parte al disco "Tuff Enuff". Por su parte, Stevie Ray Vaughan formaría los Double Trouble que ya en 1982 disfrutaba de un gran público y que además coincidió en el Montreux Jazz Festival con el famoso David Bowie.

El legendario productor John Hammond, quien determinó el destino de muchos artistas, promovió la contratación de Vaughan para Epic Records y su álbum de debut en 1983, "Texas Flood", fue un éxito que invadió las listas de pop y obtuvo dos nominaciones a los Grammy. El triunfo por separado de los hermanos Vaughan dio aliento a pioneros del rock blues como Lonnie Mack o Johnny Winter que pudieron firmar con Alligator Records. El empuje que dio los Vaughan al rock blues favoreció la entrada de nuevos músicos en la década de los noventa tales como Coco Montoya, Gary Moore, Chris Duarte o Larry McCray.

Dos bombas de relojería de esta época fueron Robert Cray, uno de los más expresivos vocalistas y guitarristas de blues, cuyo "Strong Persuader" le otorgó el disco de platino por sus ventas, y Stevie Ray Vaughan que compartió escenario con Eric Clapton quien contrató una plaza de helicóptero, pero se la ofreció a Vaughan para que evitara el tráfico de Chicago. Poco después del despegue, el helicóptero se estrelló.

Actualmente, el blues es una música universal que ha impregnado la música moderna. Es extraña la ciudad donde no haya conciertos de blues, y más extraño aún que haya artistas sin influencias del blues. John Lee Hooker dijo en su momento que "cuando me entierren, enterrarán al blues conmigo", pero eso no ha sido exactamente cierto. La música del diablo continúa y aunque la era digital haya convertido a la música en un mercado masivo, priorizando los estilos superfluos y simples, eso no ha significado que el número de adeptos disminuya. Series, películas o documentales tales como Cadillac Records de Darnell Martin, The Blues de Scorssesse o The Blues Brothers de John Landis muestran al espectador el mundo del blues y sus fantásticos artistas y estilos. Demuestran que todavía quedan muchos años de vida para el blues.

Ana Pazos es estudiante de Periodismo en la Universidad de Sevilla, redactora en la revista online ByCapital y en la agencia de representantes artísticos y promotora musical Guia Online Music.

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